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ARTÍCULOS DE OPINIÓN SOBRE LA AGENDA CULTURAL DE ACTUALIDAD

PAULINO TORIBIO

RESPONSABLE EDITORIAL

COLABORADORES
P.Flórez/Luis Melián/ Paul Boiroti/Candelaria R.Afonso/Gracia Terrén
MADRID-MURCIA-VIENA-LAS PALMAS

PAULINO TORIBIO . 4 AGOSTO DE 2023

CONCIERTO INAUGURAL edición 2023

Festival Internacional de Verano de El Escorial

JUAN DIEGO FLÓREZ

RECITAL VOZ Y PIANO

[4 AGOSTO 23]

TEATRO AUDITORIO SAN LORENZO DE EL ESCORIAL, MADRID

SAN LORENZO DE EL ESCORIAL

Teatro Auditorio - Sala A

Parque Felipe II, s/n


Día: 4 de agosto de 2023
Hora: 20:30 h


Juan Diego Flórez, tenor
Vincenzo Scalera, piano



PROGRAMA DE MANO



@ derechos reservados

PROGRAMA

Giuseppe Verdi

  • “Questa o quella”, de Rigoletto
  • “Ella mi fu rapita… Parmi veder le lagrime… Possente amor mi chiama”, de Rigoletto
  • “La donna è mobile”, de Rigoletto
  • Romanza senza parole in Fa maggiore (piano solo)
  • “O dolore”, de Attila
  • “Dal più remoto esilio… Dal consiglio alla presenza… Odio solo, ed odio atroce”, de I Due Foscari
  • Valzer in Fa maggiore (piano solo)
  • “Lunge da lei… De’ miei bollenti spiriti… O mio rimorso”, de La Traviata

José Serrano

  • “Al mismito rey del moro”, de La alegría del batallón
  • “Te quiero, morena (Jota)”, de El trust de los tenorios

Pablo Sorozábal

“No puede ser”, de La tabernera del puerto

Reveriano Soutullo y Juan Vert

“Bella enamorada”, de El último romántico

Manuel M. Ponce

Intermezzo en mi menor (piano solo)

Francesco Paolo Tosti

«L’alba separa dalla luce l’ombra»

Salvatore Cardillo

“Core’n grato”

Ernesto de Curtis

“Tu ca nun chiagne”

Ruggero Leoncavallo

“Mattinata”

Giacomo Puccini

Intermezzo, de Manon Lescaut (piano solo)

“Che gelida manina”, de Le bohème


Juan Diego Flórez, el “Príncipe”

por PAULINO TORIBIO

El pasado 4 de agosto pudimos escuchar en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial al “Príncipe”, Juan Diego Flórez, uno de los tenores más brillantes y completos del panorama internacional. Un tenor con una trayectoria vertiginosa, reclamado en los más importantes escenarios operísticos del mundo, con una discografía muy extensa, Mozart, Rossini , Verdi, Puccini, Donizetti, Bellini, canción italiana, etc.


Un extenso programa con una primera parte dedicada en exclusiva a VERDI (Rigoletto, La Traviata, Attila, Due Foscari) en donde escuchamos a un Juan Diego Flórez que se iba haciendo poco a poco con la escena, la acústica y su público. El Teatro Auditorio de El Escorial presenta unas características especiales, un gran cajón de hormigón plantado en mitad de la montaña. El “Príncipe”, lo llamó así por su elegante disposición, su planta, incluso por un atisbo de lejanía que luego vimos se transforma, a medida que avanza el recital, en entrega y complicidad con su público. Más de dos horas en escena, frente a más de mil espectadores, el aforo completo.


Juan Diego Flórez es serio, disciplinado, controla perfectamente los fraseos, el movimiento de su cuerpo y de sus manos en escena, la colocación de su voz, la extensión de los agudos que maneja a su antojo. A medida que se adentraba en la noche, su entrega era más patente, aunque siempre muy controlada. En la segunda parte dedicada la mitad de ella a grandes maestros de la Zarzuela (Serrano, Sorozabal, Soutullo y Vert) pudimos ver a un Príncipe que se aproxima al público, con ciertos dejes españolistas, aunque sin la pasión y el dramatismo de un Domingo o un Villazón. Finalizó el recital con grandes hitos de Leoncavallo y Puccini. El pianista Vincenzo Scalera le secundó durante toda la velada con profesionalidad y siempre en un segundo plano. A nuestro entender debería haber algo más de complicidad entre los dos. Aunque ya se sabe, seguir a un cantante es muchas veces un acto de fe.


Hubo numerosos bieses, los primeros del “Príncipe” con su guitarra a solas, ya desprovisto de su corona y dispuesto a continuar toda la noche cantando, se sentía a gusto y el público pedía más. Finalizó junto a su pianista ya de regreso al bel canto.

Una velada memorable, un éxito de la Comunidad de Madrid el traer hasta un pueblo de la sierra, eso sí un pueblo de reyes, al “Príncipe” Juan Diego Flórez.





Paulino Toribio



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PAULINO TORIBIO . 16 MARZO DE 2023

DIVA de ALBERT BOADELLA

Creación Canal

CALLAS <<DIVA>> ALBERT BOADELLA

[8-12 MARZO 23]

TEATROS DE EL CANAL, sala Verde

Maria Callas en el ocaso de su vida, es el inicio del camino hacia su propio y misterioso final


ESPECTÁCULO LÍRICO TEATRAL Creación Canal


PAÍS:
España
IDIOMA: español
DURACIÓN:
1 h 30 min (sin intermedio)


AUTOR Y DIRECTOR DE ESCENA: Albert Boadella
INTÉRPRETES: María Rey-Joly (Maria Callas) y Antonio Comas (Ferruccio)
ILUMINADOR: Bernat Jansa
ASESORÍA ARTÍSTICA: Dolors Caminal
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Martina Cabanas



Coproducción con Teatros del Canal 


100 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE MARÍA CALLAS



DIVA¬MARÍA REY-JOLY¬ANTONIO COMAS¬ALBERT BOADELLA


María Callas se halla en el ocaso de su vida. Reside en París alejada de todo. Su voz ya no tiene nada que ver con lo que fue. La crítica se cebó con ella en sus últimas apariciones y no ha vuelto a cantar en público.

Ha muerto Onassis. La realidad de su decadencia le hace vivir un mundo de recuerdos. Desdeña el presente mientras fuerza a su repetidor para que la acompañe en un imaginario repertorio que ya no podrá realizar. También lo utiliza para crear una situación sadomasoquista. Le obliga a interpretar a Onassis, su gran amor. Sus momentos más apasionados y estelares.

En su delirio, se imagina al griego como pareja de los grandes dramas operísticos que ella protagonizó. Alguien que la mata o alguien con quien morir al final de la ópera. Es el inicio del camino hacia su propio y misterioso final, que muy pronto realizará a su voluntad.

CALLAS,  ¡¡BRAVA REY-JOLY!!

por PAULINO TORIBIO

Cuando vimos la combinación de estos nombres en un mismo cartel: Callas, Boadella y María Rey-Joly, ya teníamos asegurado un buen espectáculo sin dudarlo. Por una parte un mito de la ópera, con una vida atormentada y pasional junto al magnate griego Onassis, por otra parte Boadella, una especie de mago de la escena, siempre con su visión escéptica, sensible, elegante y satírica de la vida y finalmente María Rey-Joly, la gran soprano y excelente actriz. Una combinación que solo necesita una pequeña escena y echar a rodar, y así fue. 

Una esmerada, equilibrada y elegante puesta en escena en perfecta sintonía con una iluminación y un sonido que llevaron la sesión músico/teatral a la excelencia propia del autor de esta producción.

Sin apenas recursos teatrales: el sonido de un helicóptero cuando aparecía Onassis, un diván, un piano, un tocadiscos (a través del cual se escuchan los acompañamientos orquestales grabados por la Real Filarmonía de Galicia) y una alfombra, Boadella sabía que tenía entre sus manos lo necesario para construir una trama jugosa y que solo era cuestión de plantarlo en un escenario.

Perfecta simetría de los elementos que a lo largo del devenir de la trama fueron tomando protagonismo en un diálogo perfecto con la música, el texto y la dramaturgia del relato.

El diván,  elegante y distinguido, es el protagonista del arranque de la función, como complemento indispensable del reposo de la diva, será a su vez el lugar en el que finaliza la obra, como soporte mudo del ocaso de la protagonista. Omnipresente, bellamente iluminado y plenamente necesario para crear la atmósfera de sutileza que Boadella ha ideado para esta escenografía. A cada lado del escenario, en perfecta simetría, un piano de media cola y un tocadiscos. Ambos elementos aportarán el movimiento, el sonido y el silencio indispensable en este drama lírico. La alfombra, como espacio escénico en el que se desarrolla la totalidad de la trama, acercándonos a la intimidad del hogar en el que los protagonistas recuerdan, imaginan y viven el drama propuesto por el autor.

Junto al tenor Antonio Comas, esforzado en su doble papel de Ferruccio, repertorista de la Callas, y de Aristóteles Onassis, la soprano María Rey-Joly nos dio una auténtica lección de magisterio sobre las tablas; cantaba, lloraba, reía, gritaba, susurraba, fue sin duda la gran DIVA que todos esperábamos.

Los tres personajes, Callas, Ferrucio y Onassis, se enredaban una y otra vez, en una genial, aunque a veces algo repetitiva, sucesión de reproches, adulaciones, amor y odio que se conjugaba con fragmentos de Norma, Manon Lescaut, Otello, Tosca, Madam Butterflay, etc. a través de la esplendida voz y dramaturgia de la Rey-Joli.

Sin duda Boadella ha creado una obra con gran intuición y agudeza, pero a la vez, sabiamente resuelta. Abordando una historia real, conocida y muy mediática sin dejar de lado su propósito, el de realzar la figura de una Callas que aún en su ocaso nos conmociona y emociona. Sin duda el gran éxito es la participación de Rey-Joly, impecable, resuelta, convincente y musicalmente arrolladora. Una gran soprano que en el escenario nos hizo creer que la Callas aún estaba con nosotros.




Paulino Toribio

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@ derechos reservados

PAULINO TORIBIO . 16 MARZO DE 2023

IBERIAN & KLAVIER PIANO DÚO

Falla, Ravel, Debussy, Stravinsky

IBERIAN & KLAVIER PIANO DÚO LAURA SIERRA  & MANUEL TÉVAR

[12 MARZO 23]

TEATROS DE EL CANAL, sala Verde

Conexión Falla-Stravinsky y empatía entre el discurso sonoro, melodía, armonía y timbre



IBERIAN & KLAVIER
PIANO: Laura Sierra

PIANO: Manuel Tévar

SOLISTAS¬LAURA SIERRA¬MANUEL TÉVAR


La conexión entre Falla y Stravinsky no solo radica en la mística de un lenguaje cuya esencia es el folklore tratado de forma culta, sino que su forma de expresión alcanza cotas inimaginables y genera una empatía extraordinaria entre los elementos estructurales del discurso sonoro, la melodía, la armonía y el timbre.

Stravinsky, Debussy y Falla son tres amigos de batallas musicales, de correspondencia y de identidades estéticas y poliestilísticas basadas en el respeto por las músicas pretéritas, pero con una esencia revolucionaria musical que hace de su momento uno de los momentos únicos del siglo XX.

El bolero de Ravel no necesita presentación, pero sí cabe decir que el compositor lleva desde la orquesta a los dos pianos y a las cuatro manos una obra que demuestra que esta formación es una auténtica orquesta de bolsillo. Alcanza su máximo exponente con este programa, en el que todas las obras tienen principio y fin en la orquesta, dando especial relevancia al piano dúo como reflejo de la gran orquesta sinfónica.

Iberian & Klavier

IBERIAN & KLAVIER,  transposiciones instrumentales con inteligencia y sensibilidad

por PAULINO TORIBIO

El dúo de pianos como transpositor de la idea orquestal puede funcionar en el sentido de darnos un mensaje global y unitario de la música que desarrollan. Obviamente faltan los colores orquestales, los planos sonoros, etc. sin embargo el Dúo Iberian-Klavier, en un esfuerzo por conjugar la idea sinfónica sobre sus teclados, consigue unas versiones ciertamente compactas. En la primera parte pudimos escuchar obras de Falla, Debussy y Ravel en las que, ciertamente, se echaba en falta el perfume colorista de estos autores, podríamos hablar quizá de bosquejos, de versiones pianísticas que nos trasladan posiblemente al origen de su escritura, todos ellos eran consagrados pianistas y debatían sus ideas musicales a lo largo de un teclado. Respetamos profundamente las transposiciones instrumentales que se realizan con inteligencia y sensibilidad y esto es algo que el dúo Iberian-Klavier defiende. En la segunda parte, Stravinsky con La Consagración de la Primavera, se dio un vuelco al programa en el sentido de que los dos intérpretes realizaron un trabajo concienzudo de precisión rítmica y globalización de la obra original orquestal, poniendo en valor el serio trabajo de Laura y Manuel como dúo consolidado; ideas comunes, sonido mas igualado, sincronización, concentración absoluta, etc.

Ambos intérpretes se mostraron muy solventes, Manuel Tévar firme, decidido, expresivo, algo brusco en determinados acordes y en sus golpes de zapato, que mas que aportar expresividad, distraían; por su parte Laura Sierra, muy flexible, ágil, virtuosa, con un sonido cálido y discreto.

Con respecto a la puesta en escena,  cabría destacar el austero tratamiento de la luz, en un Teatro de esta categoría, con abundante técnica y sobrados recursos, la iluminación debería ser tratada como un elemento indispensable para sumar al hecho musical. El resultado visual ante la imponente presencia de los dos pianos (un gran cola y un media cola Steinway & Sons), se difuminó por el tratamiento frío e impersonal de la iluminación, sin ceñirse a los intérpretes, sin arroparlos. Apenas se apreciaron matices, variaciones en intensidad, ni ideas que hubieran dotado al concierto de una mayor brillantez. El reflejo espontáneo del arpa de uno de los pianos sobre el ciclorama podría haber llevado a una mayor inspiración y aporte estético. Una buena iluminación hubiera aportado un plus necesario para este virtuoso concierto que nos ofreció con esmero el dúo Iberian&Klavier.



Paulino Toribio

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P. C.FLÓREZ . 21 ENERO  DE 2023

Joan Garrobé

AT  HOME

Standar&Songs

TRABAJO DISCOGRÁFICO

ANEMA E CUORE¬Roberto Murolo

 ESTAMOS AͬMauricio Einhorn

MY ROMANCE¬R.Rodgers&L.Hart

LA HIEDRA¬V.d´Acquisto&Seracini

ALFONSINA Y EL MAR¬Ramírez&Luna

IN A SENTIMENTAL MOOD¬Ellington

WHAT A WONDERFUL WORD¬ Bob Tyele & G. David Weiss

POLKADOTS AND MOONBEAMS¬ Jimmy van Heusen ¬ Johny Bur Ke

OUTRA VEZ¬ A. Carlos Jobim

TO A WILD ROSE¬ E. Mac Dowell

BLAME IT ON MY YOUTH¬ O. Levant

LUIZA¬ A. Carlos Jobim

OVERJOYED¬ Stevie Wonder

PER TU JO CANTARIA¬ M. Maystre

UN DELICADO REGALO PARA LOS OÍDOS

por PALOMA C. FLÓREZ

Un regalo es "un elemento simbólico que representa un halago y simboliza afecto. Un dato muy curioso, que han descubierto los psicólogos que abarcan el estudio de la felicidad, es que las personas que dan regalos son más felices que las que los reciben".

Cuando a este hecho se une la intangibilidad del sonido, el obsequio se convierte en algo más. En un goce y en un sentimiento efímero y repleto de matices. Poder escucharlo una  otra vez me ha proporcionado la posibilidad de indagar y profundizar en lo que de hermoso se transmuta en melancólico, en el devaneo entre la alegría y la tristeza. En la añoranza, en el recuerdo y en la convicción de que la música une en el espacio, en el tiempo y en el alma al compositor, al artista y al oyente.

Sin duda un gran regalo de mi amigo Garrobé, al que he redescubierto a través de sus versiones bellamente seleccionadas, profundamente sentidas y extraordinariamente ejecutadas.

Temas valiosos de la música de nuestro tiempo, cuya selección no ha sido baladí. Probablemente el solo sentimiento que al artista le ha supuesto escoger y descartar los temas que tantas veces a lo largo de su vida ha interpretado, habrá supuesto un arriesgado juicio de elección y selección. El resultado sin duda extraordinario, el virtuosismo, la musicalidad, el sonido, el tempo y su aportación han sido un meticuloso acierto.

La escucha analítica de este trabajo de 14 temas para guitarra a solo me ha llevado a descubrir la miscelánea de stándars de Jazz, Bossa Nova, Temas napolitanos, Boleros, Pop, Zamba argentina e incluso un guiño a la música coral suizo-alemana, en una estupenda versión y adaptación.

Ante una valoración propia tan positiva y con el espíritu abierto a la opinión de personas más versadas en el instrumento, descubrí que igualmente nos vimos sorprendidos, tanto los meros oyentes como guitarristas con los que he compartido este delicioso  disco.

Así Jesús M. Lorrio (guitarrista e incansable estudioso de la música para este instrumento),  me indicaba que "sorpresivamente, pese a la variedad de los temas y estilos, el disco no es un pastiche. Se trata de un trabajo con unidad y calidad. Alejado de la mera repetición de temas de todos conocidos. Con un estilo propio, difícil de encasillar pero definitivamente estupendo. Técnicamente, la utilización de triadas, arpegios y adornos, por una parte propios de la literatura de la guitarra, en este trabajo han sido elegantemente utilizados, aportando a un sonido de por sí pleno y redondo, un matiz extraordinario. Limpieza en la ejecución y una impecable grabación".

Poco más debería añadir, lo que Joan Garrobé nos ha contado en este relato de 14 temas es en sí mismo una delicado regalo para nuestros oídos.


FOTOS: Alba Navarro

Juan Miguel Morales

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@ Pablo Lorente

PAULINO TORIBIO . 22 ENERO DE 2023

DIDO y ENEAS

Henry Purcell (1659-1695)


LES ARTS FLORISSANTS WILLIAM CHRISTIE BLANCA LI


*estreno absoluto


TEATROS DE EL CANAL, sala Roja

ÓPERA BARROCA PRÓLOGO Y TRES ACTOS

Países: España y Francia
Duración: 1 h 15 min (sin intermedio
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
LIBRETO: Nahum Tate, basado en el libro IV de la Eneida de Virgilio

DIRECTOR MUSICAL: William Christie, dirección musical
DIRECCIÓN DE ESCENA Y COREÓGRAFA: Blanca Li

CORO Y ORQUESTA: Les Arts Florissants
BAILARINES: Compañía Blanca Li


SOLISTAS¬ELENCO¬EQUIPO


Lea Desandre, Dido – mezzosoprano | Renato Dolcini, Eneas / Hechicera – barítono | Ana Vieira Leite*, Belinda – soprano | Lauren Lodge-Campbell, primera bruja – soprano | Virginie Thomas, segunda bruja & segunda mujer – soprano | Jacob Lawrence, marinero -tenor | Michael Loughlin Smith, espíritu -tenor | Clément Debieuvre* – tenor | Victor Sicard* – barítono | Daniel Brant – alto | Christophe Gautier – bajo | Emmanuel Resche, concertino | Augusta McKay Lodge, violín 2 | Sophie de Bardonnèche, viola | Felix Knecht, violonchelo (bajo continuo) | Hugo Abraham, contrabajo (bajo continuo) | Sébastien Marq, flauta | Pier Luigi Fabretti, oboe y flauta 2 | Thomas Dunford**, Tiorba (bajo continuo) | Consejera lingüística: Sophie Daneman
*Solistas de “Celestial Music did the Gods inspire” | **funciones 20, 21 y 22 enero 2022

Ayudantes de Blanca Li: Déborah Torres Garguilo y Glyslein Lefever

Bailarines de la Compañía Blanca Li: Alizée Duvernois|Coline Fayolle|Gaël Rougegrez|Julien Marie-Anne|Meggie Isabet|Victor Virnot

Dramaturgia: Pierre Attrait | Iluminación: Caty Olive | Con la asistencia de Manuella Rondeau | Escenografía y creación Matière-Lumière: Evi Keller | Ayudante: Gunther Reis | Esculturas-vestuario cantantes sollistas: Evi Keller | Con la asistencia de: Laurent Mercier | Vestuario: Laurent Mercier | Con la asistencia de Leila Moli y Cristina Pérez de Arriaga | Asistente de escenografía : Chloé Bellemere | Ayudante de producción (Compañía Blanca Li): Charlotte Marcellesi | Peluquería y maquillaje de solistas: Joel Briand

Coproducción de Teatros del Canal, Théâtre Impérial de Compiègne, Château de Versailles Spectacles, Gran Teatre del Liceu, y Les Arts Florissants. Con la colaboración del Teatro Real.


DIDO Y ENEAS, un cúmulo de emociones

por PAULINO TORIBIO

Siempre hemos creído que la Opera es un espectáculo demasiado pretencioso en el que se aúnan música, escenografía, baile, literatura y que la puesta en escena siempre es arriesgada, cuando no flojea en un aspecto lo hace en otro. En este Dido y Eneas pudimos recrearnos con un espectáculo bastante redondo, una escena muy sugerente, onírica, plástica, en la que los tres solistas vocales se mantienen a dos metros del suelo sobre una especie de columnatas móviles, cual esculturas de bronce. Idea de la artista visual alemana Evi Keller. A esto hay que añadir un grupo de seis bailarines que proponían un curioso contrapunto barroco, deslizando sus cuerpos por un suelo resbaladizo. Idea esta vez de la coreógrafa Blanca Li. Hubo momentos de ensueño, de jardín de las delicias y laberinto fáustico. Otras veces sin embargo, la excesiva frecuencia de una coreografía demasiado presente, confundía y atormentaba. Quizá ésta era la pretensión de Blanca Li.

Musicalmente un logro con apenas ocho instrumentistas, ocho voces de coro y los solistas. Equilibrio perfecto de sonoridades entre unos y otros. El prestigioso Les Arts Florissiant, esta vez compuesto por dos violines, una viola, un cello, un contrabajo, dos flautas y un bajo continuo (órgano positivo, clave, tiorba) mostraron una perfecta simbiosis. El primer violín, Emmanuel Resche, decisivo, marcando las pautas, los tempos, con una sonoridad amable, siempre bien definida, preciso en sus indicaciones y arrastrando consigo al resto de instrumentistas. El cello, Felix Knecht, junto con el resto del bajo continuo, otro de los pilares de la agrupación que pusieron su solvencia y su buen hacer al servicio del conjunto. En general una sólida camerata barroca, flexible y dúctil a pesar de sus escasos integrantes. Gracias a que se mantuvieron formando parte de la escena pudimos observar el dinamismo de los músicos, su plasticidad, algo que no suele ocurrir en la opera cuando la orquesta ocupa el foso del teatro.


Por encima de todo y al nivel que se esperaba, la gran música de Purcell. El coro impecable de afinación, definido, preciso, los solistas discretos, guardando un mismo nivel de dicción pero muy presentes allá en sus atalayas. Ya desde Virgilio, los poetas dejan legado de una expresión por primera vez personal de sus emociones y pensamientos, en esta versión de Dido y Eneas queda de manifiesto esta tendencia.


Paulino Toribio

FOTOS: P. Lorente

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PAULINO TORIBIO . 12 SEPTIEMBRE  DE 2022

Collegium 1704 y Václav Luks


COLLEGIUM 1704 & COLLEGIUM VOCALE 1704

TEATROS DE EL ESCORIAL Sala de CÁMARA

ELENCO

Deborah Cachet, Pavla Radostová sopranos.

Aneta Petrasová, Jonathan Mayenschein, altos.

Tobias Hunger, tenor.

Tomáš Šelc, bajo.

Collegium 1704. Collegium Vocale 1704.

Director: Václav Luks.

Obras de Haendel y Zelenka.

TEATRO DE EL ESCORIAL, moderno en sus instalaciones y con el reto de estar ubicado en una montaña, con una accesibilidad en entredicho

por PAULINO TORIBIO

Collegium 1704 & Collegium Vocale 1704

Director: Václav Luks

Solistas: Deborah Cachet, soprano (Zelenka, Händel). Pavla Radostová, soprano (Händel). Aneta Petrasová, alto (Zelenka). Jonathan Mayenschein, alto (Händel). Tobias Hunger, tenor (Zelenka, Händel). Tomáš Šelc, bajo (Zelenka, Händel) 


Programa de la Orquesta barroca y coro Collegium 1704 con obras de carácter religioso de HAENDEL y de ZELENKA.

Obra de juventud de Haendel, el salmo Dixit Dominus, con tan solo veintidós años nos presenta un amplio abanico de sus posibilidades técnicas compositivas y un talento ya desbordante para el contrapunto y el desarrollo melódico de las voces.


La Orquesta Collegium 1704 muy precisa en sus ataques, con buen sonido aunque discreto, secundó con soltura, precisión rítmica y equilibrio entre sus diferentes instrumentos a un coro muy dúctil, virtuoso y con voces solistas destacables, en especial el contratenor. Observamos como algunos de sus participantes son músicos especialistas de nuestro entorno que colaboran con los músicos de Praga, órgano positivo y tiorba.


La obra de Zelenka ocupó la segunda parte de este programa, un Zelenka maduro, virtuoso tanto para Coro como para Orquesta.

En general disfrutamos de un concierto bien planteado y trabajado por el director Václav Luks .

Lleno total en la Sala pequeña del Auditorio de El Escorial.



Accesibilidad en entredicho

En cuanto a la accesibilidad del Teatro, aquella tarde íbamos con una persona en silla de ruedas y pudimos observar que el camino hasta nuestros asientos fue todo un peregrinaje. Narraremos a continuación la odisea. Tan solo el intentar salir del parking supuso un reto, o sorteábamos coches aparcados o salíamos como un vehículo más al que había que elevar la barrera. Lo cual no deja de ser curioso porque esto supone que alguien tenga que abrírtela de buena fe. Un sumidero final por el que se colaban las ruedas de nuestra silla para desembocar en una tremenda rampa que nos lleva a la puerta principal del Teatro. El peligro de despeñarse al salir de este parking es real, ladera abajo en la falda del monte Abantos, tanto es así que una decidida señora, viendo la situación, sin pensarlo dos veces se enganchó a la silla para hacer de contra peso y ayudarnos. Cuando llegamos a la entrada principal, resulta que debíamos volver aún más abajo de la montaña para conducirnos por otra entrada aún más angosta en la que había una rampita con una inclinación apta para dejarse los dientes contra un muro de granito, con un giro de ciento ochenta grados que daba a otra rampita. Gracias a los desvelos de una empleada del Teatro que nos guiaba y que después de aquello, nos condujo por una intrincada red de pasillos internos hasta un ascensor que debía aún bajarnos más, hasta el mismísimo centro de la tierra. 


-Por dios! donde está ubicada esta sala? -nos preguntábamos.

-Parece que cerca de donde guardan los huesos de Felipe II


Al final, después de despejar el frente de algunos transeúntes nerviosos que nos cercaban, porque ir en silla de ruedas significa estar a la altura de las partes menos nobles de aquellos que se pegan o se cruzan sin consideración alguna, conseguimos entrar en el ascensor y bajar aún más a las entrañas de la tierra. Por fin unos jóvenes y dispuestos acomodadores nos llevan hasta nuestros asientos, justo en el borde de unas escaleras tan pronunciadas que daba vértigo y por las que había de circular todo el público asistente. Observábamos desde nuestra atalaya cómo bajaban con mucha dificultad, porque la media del público rondaba los setenta y tantos. 

Acabado el concierto, no esperamos a los bises para no ser devorados por la masa y rápidos volvimos al camino de inversa hasta llegar, desfallecidos, de nuevo hasta el parking. Esta vez la montaña había que escalarla, y en un ángulo corporal de unos treinta grados con respecto al suelo, conseguimos empujar la silla sin que se precipitara montaña abajo. Hubiésemos necesitado unos grampines para mayor seguridad. Lo nuestro es pasajero, afortunadamente. Ahora entiendo lo que tienen que sufrir aquellos que día a día salen en sus sillas de ruedas por esos mundos de dios . Caballeros-as andantes sobre cuatro ruedas.


El Escorial es un gran Teatro, moderno en sus instalaciones y con el reto de estar ubicado en una montaña, fascinante, una gran mole de cuarenta metros de altura, con un ochenta por ciento bajo tierra, y respetando el entorno y su naturaleza, pero con una accesibilidad ...manifiestamente mejorable y que han de resolver.


 

Paulino Toribio


FOTOS: P. Lorente

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PAULINO TORIBIO . 12 JULIO  DE 2022

<<EL ORGULLO DE QUERERTE>>

Javier Carmena

ORQUESTA Y CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID

TEATROS DEL CANAL Sala Roja


ELENCO

Ruth Iniesta (soprano)

María Rey-Joly (soprano)

Victoria Marchante (soprano)

Isabel Egea (soprano)

Milan Perisic (barítono)

Santiago Ballerini (tenor)

Enrique Viana (narrador)


Director del coro:
Josep Vila
Director musical:
José Luis López Antón




MADRID, ciudad abierta, eternamente cosmopolita, trasnochadora, febril y tolerante

por PAULINO TORIBIO

Un acercamiento a un género algo denostado pero siempre muy nuestro y con magníficos logros, la ZARZUELA, aquí con tintes estrechamente ligados a las fiestas del Orgullo que se celebran por estos días en Madrid. Recordemos que compusieron música de Zarzuela compositores tan ilustres como Albéniz, Granados, Falla, Joaquín Rodrigo, etc., que la Zarzuela abarca un sinfín se subgéneros: Regional (la Verbena de la Paloma, La Revoltosa), Parodias (El dúo de la Africana), Mitológico (El joven Telémaco), Psicalipsis (Las Corte del Fartaón), Revistas (La blanca doble), Operetas (El rey que rabió), ¿Operas? (Doña Francisquita, Los amantes de Teruel, Marina), quizá nos quedemos con la definición de Peña y Goñi de Teatro Lírico Nacional para encuadrar todos estos subgéneros. Como muy bien dice Andrés Amorós “Un buen sainete es muy superior a una tragedia mediocre, y mucho más divertido. Por eso, apreciar positivamente la zarzuela no debe requerir, ya, ninguna justificación”(…)”constituye un capítulo inexcusable en la historia de nuestra música y nuestro teatro”. El propio Nietzsche afirmaba que en este género “encontramos la raíz auténtica de una de las máximas aportaciones españolas a la estética contemporánea: el esperpento”.

Madrid es una ciudad abierta, eternamente cosmopolita, trasnochadora, febril y tolerante. Tadeo, el protagonista de la obra, es un joven que se acerca por primera vez a la noche madrileña y encuentra su amor, un amor que antes no había podido imaginar. El guión, aun tratando un tema de actualidad, se desarrolla sin mayores pretensiones literarias, en este sentido parece ser fiel a la habitual libretística de la Zarzuela. La música de Javier Carmena es una fiesta de rememoración en donde se suceden, romanzas, foxtrot, pasodobles, jotas, todo muy ajustado a las premisas zarzueleras. Echamos en falta un toque de riesgo o de aventura tanto en el libreto, escaso de contenido lírico, demasiado prosaico, como en la partitura. Fantástico el papel narrador y conductor del tenor Enrique Viana, aquí si estaba presente la actualidad mas chispeante y mórbida. La puesta en escena se quedó a medio camino entre el Concierto a la italiana y la Zarzuela propiamente dicha, una versión de concierto con algo de luminotecnia, una triste luna que vagaba de uno a otro lado, unas guirnaldas y un cañón de luz algo distraído.

 

El espectáculo comienza con una introducción orquestal y coro en donde pudimos deleitarnos con la sabiduría y frescura de nuestros conjuntos, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid que defienden desde hace muchos años este género en el Teatro Lírico Nacional de la Zarzuela y que como nadie, son conocedores de sus vericuetos, dificultades sin fin, y de sus inmensos tesoros ocultos y placeres. Nunca dejaremos de alabar esta inmensa labor que realizan nuestros músicos con un género tremendamente vivo y difícil, en donde todavía hay mucho por rescatar, descubrir y difundir. La Zarzuela es necesario tratarla con mucho mimo y con mucho trabajo para reconocer su auténtico valor. Una Zarzuela nueva y con contenido actual es un reto muy valiente que abre un sinfín de caminos, bienvenida sea esta propuesta y este salto al vacío por parte de Javier Carmena, músico versátil, cantante, pianista, director y compositor.

Buen trabajo de los papeles solistas Ruth Iniesta, Victoria Marchante e Isabel Egéa, excepcional como siempre, ágil, vivaz, teatral, la soprano Maria Rey Joly, aunque evidentemente el peso de la obra recae sobre los amantes Tadeo en la voz del tenor Santiago Ballerini, voz brillante y agudos interminables, y de Alonso en la voz del barítono Milán Perisic.

 

Lleno total y muy buena acogida por parte del público, que quería disfrutar, pasarlo bien y entregarse a una música de fuerte arraigo en nuestra memoria.

 

Paulino Toribio


FOTOS: P. Lorente

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CANDELARIA RODRÍGUEZ-AFONSO . 26 DE MAYO DE 2022

COMPONER DESDE LA BATUTA

CANARIASAHORA

MUSIKVEREIN VIENA

Wiener Philharmoniker 

Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien, Damenchor 

Programa: Trois Nocturnes, Claude Debussy

Hector Berlioz 

Symphonie fantastique: Épisode de la vie d’un artiste, op. 14 


 “El Maestro Muti debería ser declarado patrimonio de la Humanidad”...



ARTÍCULO COMPLETO


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PRESENTACIÓN SALA ROJA TEATROS DEL CANAL. 11.02.2022

32ºFESTIVAL DE ARTE SACRO DE LA COMUNIDAD DE MADRID SE PRESENTA BAJO CUATRO PREMISAS

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43 ESTRENOS ABSOLUTOS

46 CONCIERTOS de los cuales 40 son ESTRENO

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NUEVOS LÍMITES

El festival trasgrede los límites de lo sacro para dar paso a otras músicas más allá de lo estrictamente religioso.

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PROMOCIÓN Y APOYO

Promocionar a músicos españoles dedicados a la interpretación con criterios historicistas,

Apoyo a proyectos emergentes de calidad también está presente. 

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10 ESCENARIOS

Teatros del Canal, Teatro de La Abadía, la Sala Cuarta Pared, el Centro Cultural Paco Rabal, la Basílica Pontificia de San Miguel, las iglesias de San Marcos, del Real Monasterio de la Encarnación y de San Millán y San Cayetano, la Capilla del Palacio Real y el Institut Français.

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32º FESTIVAL FIAS 2022/FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTE SACRO DE LA COMUNIDAD DE MADRID 2022


 La vertiente más alternativa del FIAS nos descubre algunas sorpresas:
"TENGO TRES ESTRELLAS Y VEINTE LUCES"

Ángeles Toledano, voz
Victor Cabezuelo, sintetizadores
Gloria Mariel, batería
Javier Martín, electrónica y programación

TEATROS DEL CANAL - SALA ROJA
M15 de MARZO | 20:30h

Música encuadrada en un múltiple collage de estilos o lo que viene a ser lo mismo una música que quiere escapar de todo encuadre y buscar su propio estilo y definición. Con textos de Lorca, entre la música étnica, el chill out, el flamenco, el pop y el jazz, con una base de desarrollo electrónico por medio de loops, delays, efectos, sincronizaciones, a cargo de Víctor Cabezuelo y Javier Martínn, la fina percusión de Gloria Mariel y la voz potente, directa y siempre luminosa de Ángeles Toledano, primer Premio de Artista Joven en el Concurso Nacional de Cante Flamenco Antonio Mairena. 

Por cierto, Gloria y Ángeles pusieron una nota de improvisación al principio del espectáculo por problemas técnicos con la electrónica, no hay nada más gratificante que un músico en su pura esencia, con sus recursos interpretativos desplegados, sin armazones, con su propio bagaje bajo el brazo.

En definitiva un grupo heterogéneo, con una personalidad bien definida, unos desarrollos de improvisación firmes y un estilo propio y personal.

Si bien el sonido en ocasiones trasgredía hasta los límites de la saturación y la luminotécnia reiterativa en el recuso utilizado y por tanto algo incómoda, en general pudimos escuchar un grupo sólido, que tiene mucho que decir y que ha encontrado la manera y el cómo decirlo. 

La voz de Ángeles Toledano conseguía lo que todo artista aspira, profundidad, trascendencia, brillantez, emoción.



Paulino Toribio 

  • City skyline

    Photo By: John Doe
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  • "PABLO UND DESTRUKTION"
    Ultramonte

    Alberto Acinas | voz, guitarra
    Pablo García Díaz | textos,voz, guitarra y samplers
    Dolfo Montes | sintetizadores
    Pablo González | batería y percusiones
    Andrés Rodríguez | gaita y sintetizador
    Con la colaboración especial de Natalia Díaz, Fee Reega y Sara Muñiz

    Escenografía: Ojo Último.
    Iluminación: Roberto Baldinelli

    TEATROS DEL CANAL - SALA ROJA
    X16 de MARZO | 20:30h

    Al principio parecía una broma, un hombre solo, Alberto Acinas, con una guitarra algo desafinada y una especie de monodias apoyadas en no más de tres acordes y de fondo como coletillas al final de sus trovadorías su propia voz transformada una octava más abajo o más arriba por medio de una pedalera escondida. Él decía que eran algo así como sus personajes del averno. Llaman a su música una deconstrucción del folk tradicional en salvaje y místico. Pasados unos largos quince minutos de esta especie de farseta o de descubrimiento de los orígenes de una vocación ....llega Pablo und DESTRUKTION con su banda...es otra manera de trovadoría moderna, más refinada, más barroca, con más recursos, con textos sugerentes.

    Con una puesta en escena cuidada y efectista, juego de luces tenues y disposición teatral. Mediante la utilización de gradas a diferentes niveles con entelados oscuros, la agrupación consiguió el efecto deseado. Tras un oscuro total se reveló una estampa lograda e inquietante. El resultado sonoro, la orquestación y en definitiva la faceta musical sin embargo no obtuvo el resultado esperado.

    Una gaita en lo más alto, poco afinada, aunque esto creo que daba igual, una batería sin mucho brío, dos guitarras y un sonido abrumador mas propio de un festival en la Provenza.

    Salvaje y místico al mismo tiempo.



    Paulino Toribio 


     DORIAN WOOD & CARMINA ESCOBAR (ESTADOS UNIDOS)
    Lhasa

    Dorian Wood | voz y electrónica
    Carmina Escobar | voz
    Adrián Cortés | violonchelo y arreglos
    Laura Amanda | violín
    Blanca Garví | violín
    Paula Dopico | viola

    TEATROS DEL CANAL - SALA ROJA
    J17 de MARZO | 20:30h

    Dorian Wood y Carmina Escobar realizan un espectáculo entre la trascendencia poética y el ritual de una tribu desposeída de su tierra. De la poesía a la excentricidad y el delirio.


    Con una actuación irregular en recursos, temática y efectividad, supieron llevarse al público a un terreno emocional propicio. La veneración de los intérpretes por la cantante recientemente fallecida Lhasa de Sela fue el hilo de inspiración y el insistente común denominador del concierto. 


    La miscelania de temas, recursos sonoros y puesta en escena, resultó poco efectiva y en ocasiones monótona, no llegando a cumplir con las expectativas depositadas en esta actuación.


    El cuarteto de cuerda que compartió escenario con los solistas aportó colorido y una buena puesta en escena a nivel visual, sin llegar a sumar suficientemente en el resultado sonoro de la actuación.


    Un gran propósito que no llegó a alcanzar el resultado deseado.

    


    Paulino Toribio



    DOVER CAME TO ME 1997 (ESPAÑA)
    Dover came to me. Featherweight. 1997-2022

    TEATROS DEL CANAL - SALA ROJA
    S19 de MARZO | 20:30h

    La banda Featherweight, a pesar de su juventud es un sólido grupo de música rock alternativa, creada a finales del 2018, con influencias del emo y el punk. muy jóvenes todos ellos pero con una solvente definición y personalidad. Su sonido es compacto, equilibrado, con una dirección bien marcada. Liderados por el cantante Miguel Cervera, voz precisa y modulada, entre el candor y el desgarro. 

    Con este espectáculo rinden homenaje al grupo de rock alternativo de los años noventa DOVER que consiguió con algunos de sus discos (Devil came to me) un impresionante éxito internacional con más de dos millones de ventas. De fondo proyecciones del propio grupo DOVER en directos y vídeos de Featherweight.

    El público que asistió a los Teatros del Canal era intergeneracional , familias completas, jóvenes, parejas de mediana edad incondicionales de DOVER que mostraban sus antiguas camisetas y mayores que disfrutaron de igual manera de la velada, la respuesta fue muy favorable. Un ambiente festivo y vibrante entorno a una música que permanecerá para siempre.


    Paulino Toribio


    RAÜL REFREE & PEDRO VIAN & PEDRO MAIA

    La peste. Una deconstrucción musical y visual de Nosferatu
    Encargo del FIAS. Estreno absoluto

    Raül Refree, piano, órgano y sintes 
    Pedro Vian, electrónica
    Pedro Maia, visuales

    TEATROS DEL CANAL - SALA ROJA
    D20 de MARZO | 19:30h

    El músico Raül Refree presenta un espectáculo bien trazado, fluido e inteligente aunque a veces pudiera resultar algo repetitivo y contumaz. Comienza con unas texturas visuales a cargo del artista portugués Pedro Maia con elementos musicales muy logrados que van dando paso a diferentes formatos y definiciones. Un trabajo artístico de orfebrería apoyado en sonidos de un piano preparado, un órgano electrónico y la colaboración de Pedro Viany a los sintetizadores, música grabada, loops y efectos diversos.

    De fondo en pantalla la proyección de la película de culto alemana “Nosferatu” (1922) de Murnau, que este año cumple su centenario, jugando con diferentes planos velados e imágenes rotas.

    Hubo momentos de gran plasticidad y poder creativo en los diferentes planos y contrapuntos, destacar la canción o tonada popular asturiana con la voz grabada de una mujer del pueblo, sobre la que construye una serie de acordes al órgano. Sutileza, elegancia, sentido de la plasticidad, ricos contrapuntos. Una interesante apuesta de la Comunidad de Madrid para este FIAS.



    Paulino Toribio

    LA REAL CÁMARA (ESPAÑA)
    Antonio Rodríguez de Hita

    ESTRENO EN TIEMPOS MODERNOS | ENCARGO DEL FIAS

    Aurora Peña | soprano
    Emilio Moreno | violín
    Ignacio Ramal | violín
    Antonio Clares | viola
    Alejandro Marías | violonchelo
    Pablo Zapico | tiorba
    Eduard Martínez | clave


    IGLESIA DEL MONASERIO DE SANTA MARÍA DE EL PAULAR (RASCAFRÍA)
    D27 de MARZO | 13:30h

    Un esfuerzo más de la Comunidad de Madrid en este FIAS 2022 por rescatar y sacar a La Luz parte de nuestro rico Patrimonio Cultural Musical, en este ocasión un monográfico sobre obras del músico Antonio Rodríguez de Hita (1722-1787).

    Obras extraídas de tres de sus zarzuelas, “La Briseida”(1768), “Las Segadoras de Vallecas” (1768) y “Las labradoras de Murcia” (1769), parte de estos manuscritos, en concreto ocho de sus arias y preludios, se encuentran recopilados en un curioso cuaderno localizado en la Biblioteca Nacional de Francia. Se piensa que es una copia realizada por el propio Rodríguez de Hita para sus conciertos privados y que posiblemente apareciera en Paris tras la venta de alguna biblioteca española durante los siglos XIX y XX, una costumbre bastante común y desafortunada.

    Emilio Moreno, violinista y gran especialista en estos terrenos historicistas, realiza, junto a su grupo La Real Capilla, una interpretación ágil, fresca, marcando con destreza los sencillos contrapuntos y las armonías de Rodríguez de Hita, y recurriendo a un sinfín de matizaciones, articulaciones, fraseos, adornos y golpes de arco. Buena sintonía y conjunción entre los dos violines, algo opacada la viola, el resto de músicos que forman el bajo continuo dio muestras de un buen colorido y una clara definición al conjunto, el clave y cello muy resueltos, marcando dinamismo y precisión y la tiorba aportando ese color característico. No sabemos hasta qué punto la destreza musical de Hita está arropada y desarrollada en las manos de Emilio Moreno, pero lo cierto es que el resultado fue de un vigor musical muy interesante. Esa es la función de los buenos intérpretes, extraer el máximo de sus partituras. La soprano Aurora Peña lució una fantástica voz, ágil, virtuosa, decidida, que poco a poco se iba templando y acomodando a sus anchas a pesar del intenso frío que hacía en la Capilla del Monasterio de El Paular. Dio muestras de hacerse con el público desde el primer momento, viviendo cada una de las arias y aportando esa ligereza y lozanía de una voz joven.

    Música con el frescor, la elegancia y el buen gusto, a la altura de cualquier otra que se representara por Europa en la segunda mitad del XVIII y con el añadido de tener un carácter especialmente jocoso y castizo.



    Paulino Toribio


    OBNI (ESPAÑA)
    Conciertos de Bach y Vivaldi

    ESTRENO ABSOLUTO

    Miriam Hontana | violín
    Vadym Makarenko | violín
    Simone Pirri | violín
    Sònia Benavent | violín
    Samuel Sedano | viola
    Alejandro Saúl Martínez | violonchelo
    Ismael Campanero | contrabajo
    Daniel Oyarzabal | clave



    BASÍLICA PONTIFICIA DE SAN MIGUEL
    L28 de MARZO | 19:30h


    OBNI es un grupo barroco de muy reciente creación especializado en música de los siglos XVII y XVIII. Surgió a instancias de la joven violinista Miriam Hontana que posee unas dotes musicales y violinísticas excepcionales, estamos ante un caso de virtuosismo, buen gusto y naturalidad que no siempre se conjugan de esta manera. La conocemos bien en su faceta de violinista de los periodos clásicos y romántico y ahora se desenvuelve con igual naturalidad en el periodo barroco con instrumentos originales.

    El grupo OBNI (Objeto Barroco No Identificado) une a su juventud un espíritu de cierta transformación, solo el nombre del grupo nos da la idea de su aire moderno. 

    Energía, fuerza, dinamismo, tempos vivos para un repertorio muy conocido y no por ello carente de nuevas lecturas. Si bien en algún pasaje se vislumbraron algunos momentos de imprecisión, más debidos a un entusiasmo que a una falta de trabajo, y que Miriam Hontana debería coger con más firmeza las riendas del grupo igual que lo hace con su propio violín de maravilla, podemos augurar un buen futuro para esta agrupación.



    Paulino Toribio


    EXORDIUM MUSICAE (ESPAÑA)
    Requiem. José de San Juan (1685-ca.1747)

    ESTRENO EN TIEMPOS MODERNOS

    Margarita Rodríguez | tiple I coro I
    Julieta Viñas | tiple II coro I
    Beatriz Oleaga | alto coro I
    Fran Braojos | tenor coro I

    Lore Agusti | tiple coro II
    Elena Sánchez | alto coro II
    Diego Blázquez | tenor coro II
    Simón Millán | bajo coro II

    Cristina Tejeiro | tiple coro III
    Marta de Andrés | alto coro III
    Juan Blázquez | tenor coro III
    Ales Pérez | bajo coro III

    Marta Mayoral | violín I
    Roi Pérez | violín II
    Pablo Prieto | violín III
    Raquel Tavira | viola
    Guillermo Martínez Concepción | violonchelo
    Ismael Campanero | contrabajo
    Francisco Ruiz Montes | órgano
    Jorge López Escribano | clave
    Laura Puerto | arpa

    David Santacecilia | director



    CAPILLA DEL PALACIO REAL
    S2 de ABRIL |19:30h

    De nuevo un proyecto de sacar a la luz obras de nuestro rico Patrimonio Musical, en esta ocasión del compositor José de San Juan (1685-1747).

    Un buen ejemplo de maestría polifónica. Una música al servicio de los oficios de difuntos y una Misa de Réquiem con una sólida construcción mostrando el buen oficio de José de San Juan.



    EXORDIUM realiza un trabajo concienzudo, distribuye las voces en tres coros, un cuarteto vocal solista con dos tiples, un alto y un tenor, y otros dos cuartetos con tiple, alto, tenor y bajo respectivamente, además del cuarteto de cuerda formado por tres violines y una viola que hacen de línea semejante a la vocal, un bajo continuo formado por cello, clave, órgano, contrabajo y arpa que mantienen una sólida cimentación aunque a nuestro parecer deberían haberse alternado para dar un poco de variedad y colorido durante las diferentes secciones . Buen trabajo de las voces solistas y muy uniformado el sonido de la cuerda aunque se diluía con la extraña formación detrás del coro.



    El resultado, un acierto siempre al rescatar música de los archivos y poder desarrollarla en un entorno privilegiado como es la Capilla Real del Palacio.




    Paulino Toribio



    JONE MARTÍNEZ + IL FERVORE (ESPAÑA)
    En la música italiana, castellana en la letra. Óperas y conciertos en la corte de Felipe V

    ESTRENO EN ESPAÑA | ESTRENO EN TIEMPOS MODERNOS


    Jone Martínez | soprano

    Il Fervore
    Jesús Merino y Lorena Padrón | violines
    Iván Sáez Schwartz | viola
    Candela Gómez | violonchelo
    Jonathán Álvarez | violone
    Julio Caballero | clave
    Pablo Zapico | guitarra barroca y tiorba

    IGLESIA DEL REAL MONASTERIO DE LA ENCARNACIÓN
    D3 de ABRIL | 19:00h

    IL FERVORE es un grupo barroco de reciente creación con criterios historicistas, muy equilibrado, dinámico, al frente el violinista Jesús Merino que marca una fuerte definición y personalidad, todo está perfectamente estructurado, matices, articulaciones, dinámicas. Desde los pianisomos casi imperceptibles hasta los rotundos fortes, todo el grupo se mueve en la misma dirección, siempre manteniendo el carácter y el fraseo propio de cada fragmento. Una delicia escuchar a la soprano Jone Martínez, ágil, con bellísima voz, bien encuadrada, siempre modelada entorno a una dicción precisa, a unos matices también sorprendentes, con unos filatos y unas progresiones muy bien planteadas.



    Paulino Toribio

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